Various Artists
WaJazz: Japanese Jazz Spectacle Vol​.​I - Deep, Heavy and Beautiful Jazz from Japan 1968​-​1984

Matasuna Records" voyage en "Afrique du Sud" pour la première fois afin de rééditer deux superbes chansons Afro-/Jazzfunk du groupe "Freeway". Sorti en 1975 sur le label sud-africain "Flame", l’album "Abahambi – Balomhlaba" a été redécouvert et réédité par le label "Black Pearl Records" de Berlin en 2013. Pour la premiere fois Matasuna propose 2 morceaux en 45t issus de cet album, transféré des bandes originales et remasterisé au son comme jamais auparavant. Une sortie incontournable !

Après le premier volume très acclamé de la série, l'expert japonais en jazz Yusuke Ogawa poursuit l'exploration du WaJazz avec une autre sélection essentielle de musique uniquement japonaise 🇯🇵 en ce concentrant cette fois sur le label King Records. Avec de la musique intemporelle d'Isao Suzuki, Toshiaki Yokota, Akira Miyazawa, Takeru Muraoka, Yasuaki Shimizu, Masahiko Togashi, George Otsuka, et plus encore !« C'est un grand plaisir pour moi de vous présenter le deuxième volume de la série « Spectacle de jazz japonais ». Après la première compilation qui s'est concentrée sur les enregistrements du catalogue Nippon Columbia, cette fois, nous creusons dans les archives de King Records. Il est presque impossible de capturer l'image complète du Wa-Jazz dans quelques albums de compilation puisqu'il s'agit d'un genre si large et profond, cependant, en extrayant des morceaux des collections Nippon Columbia et King Records - les deux labels ayant de vastes archives de musique jazz - nous pourrons peut-être entrevoir une partie de son attrait et de son essence, cette fois encore, j'ai fait la sélection musicale en gardant cette idée à l'esprit.La musique de cette compilation a été enregistrée entre 1962 et 1985 et est une brève histoire du jazz japonais sur King Records. Écouter, c'est croire, alors j'espère que ces morceaux captureront votre cœur et que vous apprécierez les charmes du jazz japonais. » - Yusuke Ogawa

Alessandro Alessandroni n’est plus simplement connu comme le siffleur dans les bandes sonores western spaghetti de Morricone – et à juste titre, puisqu’il était la figure clé de la plupart des 'musiques secrètes' italiennes des années 60 et 70, toujours en studio pendant les sessions d’enregistrement, Que ce soit en tant que multi-instrumentiste ou en tant que leader du groupe vocal de session I Cantori Moderni di Alessandroni. Aujourd’hui, sa présence omniprésente et son rôle important ont finalement été reconnus par les professionnels et les passionnés de musique, à tel point qu’il est maintenant considéré comme le véritable père de la musique de Library italienne – un genre dont il a façonné le son depuis 1968.En tant que compositeur de film, Alessandroni a souvent travaillé pour de petites productions qui avaient une distribution très limitée et dont les budgets étaient très minimalistes. Rarement sortie comme bande-son, cette musique finit, au mieux, oubliée à l’intérieur de bobines poussiéreuses de ¼ de pouce ou, au pire, disparaissant dans les airs.Après une série de sorties qui ont redonné vie à des œuvres oubliées ou perdues d’Alessandroni (Sangue di Sbirro, Afro Discoteca, Lost and Found, etc.), il était assez naturel pour nous, chez Four Flies, de commencer à fouiller dans un petit coin de sa filmographie : ses partitions pour des films érotiques, le dernier genre à gagner en popularité dans l’industrie cinématographique italienne florissante des années 60 et 70, et peut-être le plus extrême aussi, celui qui, en poussant les choses trop loin, a finalement mis fin à cette industrie et ses genres.Nous sommes donc très fiers de vous présenter Alessandroni Proibito, un ensemble exclusif de cinq disques 45 tours. Il contient un total de 14 titres inédits des bandes sonores de 4 films érotiques soft-core qui comprenaient des séquences hard-core et, par conséquent, est tombé quelque part entre la distribution commerciale normale et la scène underground des cinémas pour adultes.Avec une approche artisanale de son art musical, Alessandroni n’avait pas peur de traiter de sujets épicés, de productions bancales, d’intrigues invraisemblables, d’acteurs improvisés ou de cinéastes qui n’étaient clairement pas des disciples de Storaro. Et il était si bon à faire une vertu par nécessité, à transformer les contraintes budgétaires en avantages créatifs, qu’il a créé des bandes sonores qui dépassent de loin la qualité des films, avec une musique qui à la fois capture et élève l’esprit du genre érotique comme un symbole condensé.Plus précisément, le maestro a enregistré de nombreuses pièces de façon artisanale à la maison, en utilisant un magnéto Teac à 4 pistes pour organiser ses compositions. Le Teac lui permettait de jouer de différents instruments sur chaque morceau, ce qui signifiait qu’il pouvait en gros assembler une bande sonore entière tout seul, ou presque tout seul.Ces enregistrements comportent souvent des drum machines, qui offrent cette ambiance rétro et ancienne de musique électronique, ainsi que des guitares funk et des percussions exotiques dans les pistes rythmiques. En outre, il y a une utilisation étendue, presque ahurissante des synthétiseurs pour remplacer les instruments solos qui auraient exigé un joueur payé de session. En plus de cet arrangement minimaliste, Alessandroni superposait ce qu’il pouvait : quelques accords de piano, un peu de flûte et, surtout, sa signature de phrasé de guitare à 12 cordes.Le résultat est tout simplement époustouflant : un mélange unique de musique électronique et d’instruments acoustiques, dans un style qui s’arrête au kitsch et s’étend des pièces d’ambiance cinématographique comme "Tensione erotica" aux morceaux disco-funk comme "Snake Disco" et "One Sunday Morning", tous deux composés par Alessandroni lui-même.Alessandroni Proibito est livré avec les commentaires d’Eric Adrien Lee et une affiche pliable de 30x70cm inspirée des affiches de format insert qui étaient accrochées à l’extérieur des cinémas pour attirer les cinéphiles.Le coffret sort en édition limitée à seulement 300 exemplaires et ne sera jamais réédité. Premier arrivé, premier servi.

L'histoire de The Movers commence en 1967 en Afrique du Sud lorsque deux musiciens inconnus - les frères Norman et Oupa Hlongwane - approchent Kenneth Siphayi, un riche et élégant homme d'affaires du township d'Alexandra, pour lui demander s'il peut leur acheter des instruments de musique. En échange, il recevrait une part des futurs spectacles et contrats d'enregistrement. Kenneth a fini par faire bien plus : il est devenu leur manager, les a installés dans un local de répéJJon et leur a présenté un organiste qui s'est avéré être le chaînon manquant du son squeleMque du groupe. Il leur a également donné leur nom : The Movers... parce que, comme il l'a dit, leur musique allait vous émouvoir, que vous l'aimiez ou non. Le groupe a explosé sur la scène musicale du pays, marquée par la ségrégaJon raciale, à l'aube des années 1970, avec un son qui appliquait les grooves d'orgue roulant et les rythmes élasJques de la soul américaine à des chansons venues directement du cœur des townships. Les Movers ont fini par signer chez Teal Records en 1969, et leur premier album, Crying Guitar, s'est vendu à 500 000 exemplaires au cours des trois premiers mois, les propulsant au premier rang des groupes sud-africains. Au cours de leur première année, ils sont passés du statut de sensaJons locales à celui de premier groupe de Sud-Africains noirs à voir leur musique passer sur les staJons de radio blanches du pays. Bien que le premier disque soit enJèrement instrumental, The Movers a commencé à travailler avec différents chanteurs peu après - marquant un succès précoce avec le prodige vocal de 14 ans Blondie Makhene - et a enrichi sa pale[e sonore avec des cuivres, des percussions supplémentaires et divers claviers. Leur pale[e stylisJque s'est également élargie, incorporant des éléments de Marabi, de Mbaqanga, de jazz, de funk et de reggae dans leur son imprégné d'âme. Mais l'essence de leur musique vient de la connexion presque télépathique de leurs membres fondateurs : l'orgue frémissant de Sankie Chounyane, les lignes de guitare décontractées d'Oupa Hlongwane, les grooves de basse énergiques de Norman Hlongwane et les rythmes frémissants du ba[eur Sam Thabo. Le groupe a[eint son apogée au milieu des années 1970, et son tube "Soweto Inn", chanté par Sophie Thapedi, devient indissociable des révoltes étudiantes qui marquent une nouvelle résistance au gouvernement de l'apartheid. En 1976, cependant, leur manager est évincé et leur producteur commence à jouer un rôle plus acJf dans la direcJon du groupe. À la fin de la décennie, il ne reste plus aucun membre d'origine, mais à leur sommet, les Movers étaient des Jtans de la soul sud-africaine qui ont laissé un héritage de plus d'une douzaine d'albums et d'innombrables singles de pur groove. Sur The Movers 1970-76, Analog Africa présente 14 des meilleurs Jtres du groupe à son apogée.

Un disque obscure (Private-Press) enregistré en 1977, par un groupe du sud de la Floride composé d’un trio de musiciens Ben Champion, Ken Burkhart et Danny Burger.Invité spécial dans les notes de la pochette Mike Longo écrit tout le bien qu’il pense sur ce groupe.Le morceau de 20 minutes « Jazzberry Patch » qui ouvre la Face A du disque est une explosion de groove entre un Fender Rhodes et un Hammond B3. Un disque indispensable et enfin abordable vu le prix d’un original. Il faudra attendre fin juillet pour cette pépite mais Jazz Room est le label qu’il faut suivre en ce moment et je vous invite à decouvrir le reste de son catalogue pour patienter.

Un album totalement obscur de Youngstown, Tony Lavorgna de l’Ohio et son groupe de la fin des années 70 au début des années 1980 : The St. Thomas Quartet. Une mixture d'influences Jazz & Soul avec des reprises inspirées.Une version orgue Hammond Soul Jazz de "Chameleon" d’Herbie Hancock, de dix minutes qui vous laissera sans voix car David Thomas sur la B3 est absolument inspiré sur ce titre monstrueux. Cela vous fait vous demander pourquoi sur terre il n'y a plus plus de joueurs d'orgue inspirés par ce morceau légendaire ?L’autre choix inspiré est "The World Is A Ghetto" de War qui doit être l’une des versions les plus "funkiest" de ce morceau très repris. Un sax émouvant du leader Lavorgna indique la voie pour le reste du groupe, des contributions émouvantes et jazzy avec à nouveau l'Hammond de David Thomas avec ses riffs trempés de funk.Tony Lavorgna est aussi un personnage, son histoire de vie est disponible sous forme de Comic Book sous le titre "Bebopman" de l’écrivain américain Splendor Harvey Pekar.